Zouhir Boudjema – Les jours d’après

Le 6 mars 2015, à la galerie Le 22 de l’art (22 rue Simart – Paris 18) avait lieu le vernissage d’une exposition de Zouhir Boudjema, artiste algérien installé à Paris depuis 2001.
Avant d’évoquer sa peinture, ce qu’elle offre au regard et à l’esprit, ce qu’elle renferme et libère ; il est bon d’aborder le parcours de ce natif d’Alger, venu au monde le 2 juillet 1962, soit trois jours avant l’indépendance de son pays. Regardons une partie de ce parcours en ayant à l’esprit le titre du dernier film de Karim Moussaoui, Les jours d’avant. Voyons ainsi une période où se mêleront les extrêmes, celle-ci naissant avec l’espoir de jours nouveaux.

Zouhir Boudjema, Les citadins, acrylique sur bois, 135 x 95 cm, 1989 - http://www.zouhir-boudjema.com/categorie_oeuvre/peintures/

Zouhir Boudjema, Les citadins, acrylique sur bois, 135 x 95 cm, 1989 – http://www.zouhir-boudjema.com/categorie_oeuvre/peintures/

Enfant, Zouhir Boudjema pratiquait le dessin avec enthousiasme. Cet état ne devait plus le quitter. Vers la fin de ses études au lycée, il songeait à étudier aux Beaux arts d’Alger. C’est ainsi qu’il passa le concours d’entrée sans en parler à quiconque… et il fut admis ! Ce succès devait le pousser à annoncer la nouvelle à sa famille. L’orientation qu’il choisit de donner à sa vie fut difficile à faire admettre, mais le souhait de Zouhir l’emporta.
Ses années d’études lui permettent alors d’apprendre auprès de ses maîtres ainsi que de ses camarades plus âgés. Il a l’opportunité de s’exprimer pleinement en travaillant tout à fait librement dans les ateliers jusqu’à tard dans la nuit, allant jusqu’à oublier toutes notions du temps et profitant de la stimulation provoquée par le travail de groupe. Dans l’interview qu’il m’a gracieusement accordée, Zouhir Boudjema évoque cette époque avec un soupçon d’allégresse.
En 1987, il termine son cursus. Il appartient à une jeunesse forcément rêveuse, ambitieuse et utopiste (?) qui se confronte à la difficulté de s’exprimer dans les grandes villes du pays. Celles-ci manquent de structures dédiées à la culture. Elles sont également le théâtre d’une omniprésence du pouvoir dans l’espace urbain. Les rapins algérois décident alors de s’organiser et de porter leur art dans les campagnes de différentes régions du pays, allant même jusque dans le Sahara. Zouhir qualifie cette démarche comme l’action « d’artistes ambulants » en précisant que toutes les régions n’étaient pas forcément favorables à leur accueil. En parallèle, afin de gagner sa vie, il enseigne le dessin au collège. Il tente d’insuffler un esprit créatif à ses élèves et de mobiliser leur acuité tout en tachant de s’écarter d’un programme scolaire officiel estimé réducteur et sans relief.
En 1991 éclate la Décennie noire, soit dix années de combat entre l’état algérien et les groupes islamistes armées. C’est la période la plus difficile que le pays ait pu traverser depuis la guerre d’indépendance. Malgré les assassinats, les massacres – selon les différentes sources, il y aurait eu entre 60 000 et 150 000 victimes – malgré la peur et la paranoïa, Zouhir Boudjema ne quitte pas le pays pendant la quasi-totalité du conflit. Ce dernier prend fin en 2002 alors que l’artiste est en France depuis 2001. Les raisons qui l’ont poussé à quitter sa terre s’expliquent évidemment par la guerre elle-même mais aussi par une liberté et une indépendance artistique devenues impossibles.

Zouhir Boudjema est un insatiable. A son contact, on constate rapidement qu’il ne peut se passer de l’autre, celui avec qui on échange, avec qui on parle, à qui on donne. Sa peinture est enveloppée du même esprit. Zouhir tient par-dessus tout à transmettre, au-delà du fait de montrer. Il œuvre pour transmettre la vie, prolonger celles de ceux qui ont disparu ; se rappeler des images enfouies, celles qui ramènent à l’enfance, vers des personnes connues jadis ou bien vers une terre qu’il a chérie et dont le souvenir rime avec douleur.
Lorsqu’il parle de la Décennie noire, Zouhir Boudjema pointe une période où « l’Algérien chasse l’autre Algérien ». Cette douleur d’exilé s’exprime notamment dans une toile de 2012, Retour des martyrs. La main de celui qui a survécu trace les silhouettes de ceux qui ont disparus : corps confondus qui viennent activer la mémoire au travers d’un balai de couleurs voilées de blancheur, signe du souvenir, voile du temps qui s’écoule mais ne disparait point.

Zouhir Boudjema, Retour des martyres, acrylique sur toile, 60 x 38 cm - http://www.zouhir-boudjema.com/categorie_oeuvre/peintures/

Zouhir Boudjema, Retour des martyres, acrylique sur toile, 60 x 38 cm – http://www.zouhir-boudjema.com/categorie_oeuvre/peintures/

Nous portons tous en nous, ou presque, des souvenirs concernant des êtres que nous voudrions voir revivre. Nous pouvons peut-être assimiler ces êtres à toutes les choses qui blessent ou ravivent l’âme, et affirmer qu’elles font aussi partie de ce qui nous permet de rester vivant, mais surtout capable de donner de l’élan à l’existence. Prendre le temps d’observer le travail de Zouhir Boudjema nous permet de nous confronter à ces questions.
Cet élan vital, Zouhir le partage avec les membres du jeune collectif fen’art, réunissant à Paris des artistes issus de la diaspora algérienne. Leur première exposition (Rézolution) a eu lieu à Paris aux Ateliers d’artistes de Belleville du 2 au 12 avril 2015. Espérons que ce regroupement leur permettra de mettre en avant une identité artistique méconnue en France.
L’écrivain, dramaturge et poète algérien, Kateb Yacine, considérait la langue française comme « une prise de guerre ». De manière provocatrice, il mettait en avant l’idée qu’il y avait un bénéfice à tirer en connaissant notre langue.
Comprenant la portée des apports culturels, nous pourrions méditer la phrase de Kateb Yacine et envisager un paysage artistique parisien qui pourrait avoir la bonne idée de laisser plus de place aux artistes des diasporas au sein des institutions. Je ne parle pas du Musée de l’histoire de l’immigration ni de l’Institut du monde arabe, cela va de soit. Par conséquent, en (re) connaissant les différents artistes membres de diasporas issues de notre ancien empire colonial, le monde de l’art pourrait faire en sorte de cultiver les graines déjà semées dans la capitale.

Zouhir Boudjema, De l'autre côté, huile et acrylique sur toile, 54 x 30 cm, 2014 - http://www.zouhir-boudjema.com/categorie_oeuvre/peintures/

Zouhir Boudjema, De l’autre côté, huile et acrylique sur toile, 54 x 30 cm, 2014 – http://www.zouhir-boudjema.com/categorie_oeuvre/peintures/

Zouhir Boudjema fait parti de ceux qui fertilisent les terres de l’échange. Je ne crois pas trahir son esprit en affirmant qu’il a terriblement besoin des autres. Sa peinture demeure l’ultime moyen de faire jaillir ce qu’il porte en lui et que les mots ne suffisent pas toujours à exprimer. L’historien d’art serait tenté de le qualifier d’expressionniste abstrait mais les yeux de l’âme peuvent distinguer un peintre Vivant, luttant avec la mort et les braises de la douleur.
Les jours d’après défilent et Zouhir Boudjema continue à peindre.

François Bachelard

Pour aller plus loin :

L’indépendance de l’Algérie.

Mohammed Harbi, sur l’indépendance de l’Algérie.

Biographie de l’écrivain Mouloud Feraoun.

L’écrivain et philologue Mouloud Mammeri sur l’histoire de l’Algérie.

L’écrivain Mohammed Dib.

L’écrivain Malek Haddad.

Interview de Kateb Yacine.

Conférence au MUCEM sur la décennie noire.

Le chanteur et poète kabyle Matoub Lounès.

Denis Martinez – artiste algérien exilé.

ECUME – Échanges culturels en Méditerranée.

Vinyculture – Web magazine culturel algérien.

Grève aux Beaux arts d’Alger – El Watan du 27 avril 2015.

Graffiti et Street Art, de quoi parle-t-on ?

A l’heure où le graffiti sur toile est célébré dans la capitale (Le Pressionnisme 1970 – 1990, les chefs-d’œuvre du graffiti sur toile de Basquiat à Bando à la Pinacothèque du 12 mars au 13 septembre 2015), il est bon de nous interroger sur le graffiti et le street art, deux approches qui ont tendance à être confondues.
Dans Paris Tonkar, l’un des ouvrages majeurs concernant le graffiti sur Paris, les auteurs (Tarek Ben Yakhlef et Sylvain Doriath), indiquent : « originellement, le graffiti, selon la définition new-yorkaise, est une peinture exécutée sur un métro ». Cette adaptation du mot ne doit pas nous faire oublier ses origines gréco-latines. Les Hommes gravaient des phrases sur les murs de Pompéi, tout comme les Bentvueghels inscrivaient leurs noms sur les murs des tavernes romaines lors du XVII ème siècle. Plus proche de nous, qui n’a pas découvert un jour dans sa salle de cours, au collège ou au lycée, une table recouverte d’inscriptions gravées ou écrites ? Le graffiti, pratique ancienne, est polymorphe. Afin de mieux aborder la question, je renvoie le lecteur à l’ouvrage Une histoire du graffiti en images de Bernard Fontaine.
En Europe, à partir de 1983, Paris aura été l’une des toutes premières villes à voir son métro recouvert de lettres stylisées dans un certain ordre assemblées. Aujourd’hui, les campagnes de nettoyages et de répressions ont presque eues raisons de cette activité (contrairement à des capitales comme Rome et Athènes) et la rue, ou plutôt certains quartiers, sont devenus le théâtre d’expressions diverses telles que le street art.
Depuis une bonne dizaine d’années, ce terme est souvent employé pour désigner l’ensemble des pratiques artistiques murales se différenciant du graffiti ou du tag, il s’agit le plus souvent de pochoirs, de collages, de peintures, de mosaïques, d’installations. Mais c’est aussi une forme de catégorisation qui tend à faire valoir un nouveau marché. L’artiste Gilbert1 nous livre sa vision : « Étiqueter des artistes dans de nombreux domaines répond à un besoin qu’ont certains pour appréhender leur démarche, et également pour leur donner une existence marchande. De mon point de vue les artistes travaillent librement, et n’ont pas besoin d’étiquettes pour produire.

Gilbert1 et Iemza - Produits 100 % fibres organiques - Société des Arts du Forez - septembre 2007 - François Bachelard

Gilbert1 et Iemza – Produits 100 % fibres organiques – Société des Arts du Forez – septembre 2007 – François Bachelard

Ce que certains appellent le street art a toujours existé, les prémices étant les peintures rupestres, et il s’est réellement développé le siècle dernier avec l’introduction de plus en plus massive de la publicité dans l’espace public. Il a connu un essor considérable cette dernière décennie, notamment suite à l’explosion de Banksy sur le marché de l’art. Il a été nécessaire de cataloguer les artistes urbains afin de leur donner une dénomination commune et notamment commerciale. Selon moi, cette catégorie ne donne en rien une unité aux artistes dont les inspirations sont on ne peut plus variées. De plus, il y a un effet de mode autour de ces pratiques urbaines, cela profite à bon nombre de personnes, notamment à des artistes inconnus qui passent facilement à la rue pour se faire connaître, ce qui n’est pas forcément gage de qualité. ».
Le street art serait il une réminiscence du pop art ? Sur le plan plastique, dans de nombreux cas (Obey, Space Invader) nous pouvons être tentés de l’affirmer tout en considérant l’appropriation et l’utilisation des codes de la publicité dans l’espace urbain. Concernant les galeries, un problème se pose et il semble que ce soit celui-ci qui entretienne la confusion. Il n’est pas inutile de distinguer un art éphémère visible dans la rue (graffiti et street art) d’une pratique d’atelier utilisant des techniques propres aux arts urbains afin de produire autres choses.
Dans une interview gracieusement accordée (disponible ici), l’artiste parisien Mosa parle de sa conception du graffiti et du travail en galerie. A l’écouter, nous pouvons prendre en compte sa volonté de se rattacher à un cadre plus classique – celui d’une production destinée à la galerie – sans s’éloigner pour autant de l’univers urbain, terrain incertain et souvent inconfortable. Nous comprenons alors que le graffeur n’a pas pour projet de reproduire sur une toile ce qu’il trace sur les murs. Certains verraient une sorte de Docteur Jekyll et Mister Hyde. Il n’en est rien. La rue a ses limites. Rappelons qu’il est illégale de peindre sur du mobilier urbain sans autorisation. Jouer directement avec les formes et les signes du « graffiti vandale » (c’est ainsi qu’il se nomme) n’a aucun intérêt dans une galerie ; il est préférable de les dépasser, de les recombiner, ou tout bonnement de les évacuer.

http://mosa87.com/FILIGRANTE - Acrylique,50x65 cm.

http://mosa87.com/FILIGRANTE – Acrylique,50×65 cm.

L’exposition de la Pinacothèque citée en début d’article prétend nous présenter des chefs d’œuvres appartenant à un « …isme » de plus (de trop) . L’appellation « pressionnisme » est d’Alain Dominique Gallizia, commissaire de l’exposition. Elle n’est admise par quiconque se réclamant d’une communauté scientifique ou se revendiquant spécialiste du graffiti. Ce dernier et le street art suscitent beaucoup d’intérêts chez les galeristes et autres marchands ; ces pratiques commencent à avoir leurs historiens et leurs spécialistes mais ne l’oublions pas, à partir du moment où l’aérosol est utilisée sur toile on ne peut plus parler de graffiti, simplement de peinture.

François Bachelard

Pour aller plus loin :

Galerie Hélène Bailly (Gibert1)

Style Wars Documentaire pionnier d’Henry Chalfant (graffiti et Hip Hop).

Dirty Handz 1 – Dirty Handz Productions 1999 – Vandales parisiens

Nunc Gallery Paris

PAL Crew – Exposition à New York, galerie Klughaus et aussi

Chiwook NHO

노치욱

photo © Lee Donghoon / www.digibit.info.

Green City Paris, 2013, Installation vidéo en mosaïque, en temps réel, webcam, processing, 46″ monitor, 22″ monitor x 2.

          Chiwook Nho a présenté des expositions à Paris, sous la forme d’installations vidéo, notamment à la Cité Internationale des Arts de Paris en 2013, ou à la galerie Atelier Gustave, qui s’aident beaucoup de l’informatique. Il s’agit de substituer à l’image filmée une image virtualisée, modifiant par l’informatique ce qui est filmé, comme les gestes des spectateurs par exemple. Le geste demeure, mais forme, couleur et lumière s’y trouvent changés. La caméra peut être située au-dessus de l’écran, devant le spectateur, pour le confronter directement à son double numérisé, mais elle peut aussi filmer l’extérieur, depuis les vitres de la galerie, pour filmer l’environnement urbain et la façon dont il se modifie par l’agencement de l’installation. Dans ce dernier cas, le spectateur exerce son regard entre l’écran situé dans la galerie, reflétant la ville à sa manière, et la ville elle-même qu’il peut continuer d’apercevoir à travers les vitres. Les spectateurs multiplient ainsi les interactions, passant derrière la vitre et expérimentant des gestes ou des actions que les autres verront de manière modifiée à l’écran. Chacun se fait alors à la fois acteur et observateur.

                                                                                       

Interview avec l’artiste

Quelles étaient vos attentes lorsque vous êtes venu en France en tant qu’artiste ?

          – « Je suis venu en France à partir de janvier 2000, après avoir terminé mes études aux Beaux-Arts en Corée. Je suis venu ici pour combler mon manque de connaissances en art moderne. Avant de venir je me suis demandé comment on pouvait définir l’art dans la société aujourd’hui, comment un travail plastique pouvait devenir une œuvre d’art, c’est avec ces questionnements que je suis venu. Chaque artiste a sa propre définition de l’art, en vivant en France j’ai tenté de trouver ma définition de l’art, et je suis toujours dans cette quête. »

Est-ce que vous avez gagné quelque chose ici pour votre activité artistique ?

          – « Je ne peux pas être définitif pour savoir si j’ai trouvé quelque chose ou non. J’ai par contre pu me situer dans un cadre plus précis par rapport à ces questions, et j’ai pu absorber beaucoup des influences qui me manquaient en Corée, à travers l’ambiance du pays, sa vitalité artistique, ses expositions, ce qui m’apportait une émulation. Je pouvais ainsi, finalement, constituer mon propre univers artistique. »

Quelles sont vos inspirations pour votre travail ?

          – « Mon motif porte toujours sur la question du spectateur, du visiteur. Tout ce qui est lié aux spectateurs, ça peut se faire par ma réflexion, ou par des choses optiques concernant un objet qui se liera de façon interactive au spectateur. Ce qui est important est la transmission du message, donc tout élément permettant cela je l’utilise. Plutôt que de passer par des éléments complexes, je choisis des éléments simples, populaires, qui peuvent être un meilleur intermédiaire à la transmission du message. »

A travers votre œuvre, que voulez-vous exprimer ?

          – « Je veux que le spectateur s’interroge sur son « moi », qui est réfléchi à travers mes installations vidéo. C’est un jeu de reconnaissance et d’interrogation du « moi » dans la société d’aujourd’hui. A travers une technique variée comme cela est possible aujourd’hui, on peut mieux construire la relation entre l’œuvre d’art et le spectateur. C’est un critère primordial pour se percevoir soi-même. Dans l’expérience de l’œuvre, le spectateur est confronté parallèlement à l’objectivité et à la subjectivité de son être, et se situe donc au sein de la collectivité, passant de « moi » à « nous ». L’œuvre s’opère dans une relation de réciprocité subjective avec le spectateur, c’est lui qui devient le moteur de l’installation. Je souhaite qu’à travers leurs actions, et la façon dont elles sont réfléchies, ils vont comprendre celles-ci sous une autre lumière. »

le 27 avril 2015, KIM Bora

        Site de l’artiste : http://www.digibit.infowww.facebook.com/digibit

Kimsooja

김수자

KIM Sooja, Bottari Truck, 2007

Kimsooja est une artiste sud-coréenne née en 1957 et vivant aux Etats-Unis. Elle est issue d’une tradition très coréenne, de l’artiste voyageur, qui parcourt le pays au gré des inspirations ou des mécènes. Certes, cette tradition existe depuis longtemps partout dans le monde de l’art, mais c’est cette histoire artistique de son pays, de sa propre identité aussi, qu’elle « promène » depuis plusieurs années dans le monde. Elle confronte ainsi cette identité propre à des communautés de destin concernant des migrants ou des ethnies partout dans le globe, par le biais d’installations, d’exposition d’objets faits de sa main, ou encore d’actions ou de performances réalisées sous l’œil de la caméra et de la photographie.

Il est à noter qu’elle a vécu à Paris un temps durant ses études artistiques, mais la performance qu’elle y a réalisée est bien postérieure, et date de 2007. Elle nous permet de bien voir comment peut s’articuler le regard, le propos, et l’identité d’une artiste coréenne, avec un pays qui lui est étranger, mais chargé lui aussi de sa propre histoire, qui résonne encore dans le présent.

보따리

Cette performance est intitulée Bottari Truck – Migrateurs. Bottari est un mot coréen qui désigne des bagages fabriqués en tissu, comme des baluchons mais beaucoup plus grands, et très utilisés pendant plusieurs siècles jusqu’au XXe.

Dans son oeuvre, Kimsooja est assise à l’arrière d’une camionnette sur un petit monticule de Bottaris, réalisés avec des pièces de tissu collectés auprès de l’association Emmaüs, des bouts de tissus issus donc de gens de cultures très diverses, reflétant la France et l’histoire de ses immigrations successives en même temps que la manière dont ils étaient confectionnés en Corée. Elle traverse les routes de Vitry-sur-Seine jusqu’au lieu symbolique de l’Eglise Saint-Bernard à Paris, dans laquelle furent abrités puis expulsés 300 sans-papiers qui s’y étaient réfugiés en 1996.

Kimsooja rend hommage aux migrants, et particulièrement à ces 300 clandestins dans le passé. Son itinéraire part du Mac/Val à Vitry-sur-Seine pour aller à l’Eglise Saint-Bernard à Paris, en parcourant des lieux symboliques de la République française et de ses valeurs. La place de la Bastille, celle de la République, fonctionnent comme des rappels de la révolution mais surtout de la déclaration universelle des Droits de l’homme, de la tradition de la France comme une terre d’accueil pour les étrangers.

L’événement de l’occupation de l’Eglise Saint-Bernard par des sans-papiers avait à l’époque provoqué la prise de conscience, par les Français, qu’au-delà de ces groupes de migrants clandestins se trouvait la réalité d’individus, avec chacun son histoire, son passé. Depuis, lorsque des associations organisent des commémorations de la date de leur expulsion de l’église, cela attire très peu l’attention. Les discours, politiques ou médiatiques, ont beaucoup changé à ce sujet, qui n’émeut plus les gens. Au contraire, les politiques se sont durcies. En novembre 2007, quand Kimsooja réalise cette performance, le président de la République nouvellement élu, Nicolas Sarkozy, est un homme tenant un discours de fermeté et d’autorité sur l’immigration. L’artiste réalise ainsi un chemin qui accuse la France d’avoir oublié ses idéaux, et rappelle la complexité des histoires de chacun à travers les assemblages de ses bottaris, transporteurs de mémoires. [l’article]

Ainsi, sa performance ne se rattache pas seulement à un fait connu du passé, mais prend en compte la réalité du présent.

En se présentant de dos, Kimsooja affiche un visage neutre, elle véhicule son propre passif, sa propre identité, pour les confronter au paysage urbain de Paris, à son histoire et ses heurts qui continuent jusqu’au présent.

le 22 mars 2015, KIM Bora

Lire aussi                                                                                                                                                            Le souvenir de Saint-Bernard                                                                                                                        Ils n’ont pas oublié les coups de hache de Saint-Bernard

Le cas Ahae

아에

Il existe peu d’artistes coréens de grand renom pour le public français.

Toutefois, depuis quelques années, les expositions et oeuvres d’un coréen commençaient d’apparaître sur les affiches des rues parisiennes. Il s’agissait de Ahae.

Ahae, de son vrai nom Yoo Byung-eun, était une célébrité en Corée, mais pas pour son activité artistique, il cachait d’ailleurs sa vraie identité derrière ce pseudonyme et personne ne connaissait le vrai nom de l’artiste. Il était un entrepreneur, mais aussi un personnage un peu trouble, qui avait eu un rôle ambigu dans certains faits divers qui avaient concerné une secte évangélique en Corée.

En France toutefois, son travail photographique, jugé très pauvre artistiquement par la plupart des critiques pourtant, a eu les honneurs d’une exposition de ses photographies à Versailles, et son nom est gravé sur une plaque en son hommage au Louvre en tant que mécène.

아에

Cette « sympathie » des pouvoirs publics français à son égard avait fait l’objet d’enquêtes de la part de journalistes du site Louvrepourtous.fr, qui s’interrogeaient sur ces égards par rapport à la pauvreté artistique du travail d’Ahae.

Son œuvre consistait en des prises de vue photographiques, qu’il faisait depuis plusieurs années, chaque jour, à l’aide de plusieurs dizaines d’appareils prenant chacun une photo toutes les 10 secondes. Son travail d’artiste n’allait guère plus loin que ce concept, jusqu’au choix même des tirages, parmi cet amoncellement de prises de vue, qui était dévolu à son équipe. Il n’y avait rien de neuf ou de remarquable, ni dans la nature de la démarche, ni dans la qualité du regard. Cependant, sans qu’aucun galeriste ou critique ne l’ait remarqué préalablement, des expositions de son œuvre fleurirent dans plusieurs lieux d’exposition prestigieux de par le monde. Sa fortune lui permettait d’avoir les moyens de ses ambitions, et de s’adjoindre les services de scénographes fameux, ou de grandes agences de communication pour faire sa promotion et mettre en valeur ce « travail ».

Il fit ensuite parler de lui en France en 2012, dans un premier temps, en achetant un hameau mis en vente par une municipalité française, dans lequel il voulait établir un village d’artiste, juste avant que soit organisée sa première grande exposition en France au Jardin des Tuileries, avant le château de Versailles en 2013. Mais après enquête, on comprit que ces expositions n’étaient pas le fait d’un choix véritable des directeurs ou commissaires de ces lieux, mais étaient bien des locations, très coûteuses, d’espace. Ce qui n’empêchait pas les textes des catalogues d’être plein de dithyrambes, de la part des administrateurs des musées, pour le travail de l’artiste, jusqu’à ce que le site internet Louvrepourtous.fr se penche sur son cas.

Mais son nom est devenu bien plus célèbre encore par la suite, surtout son vrai nom cette fois, car il était le propriétaire de la compagnie possédant le ferry qui avait coulé, en 2014, en Corée-du-Sud, tuant des centaines de lycéens, tragédie dont le scandale (quant à la sécurité et l’entretien du bateau) eut une portée internationale.

Recherché par les autorités coréennes et internationales pour homicide à ce sujet, il a été retrouvé mort récemment, vraisemblablement d’un suicide.

En France, par rapport aux artistes coréens, Ahae était l’arbre qui cachait la forêt. Je voulais alors partager avec le public français la vitalité de la création artistique coréenne, en lien avec la vie parisienne, au-delà de ce cas très particulier et peu glorieux.

le 3 mars 2015, KIM Bora

Sources :                                                                                                                http://www.louvrepourtous.fr/                                                                                               http://www.louvrepourtous.fr/